Movement for Justice in El Barrio: Fighting Gentrification

El Movement for Justice in El Barrio fue fundado por personas inmigrantes y con pocos ingresos que residen en esta zona neoyorquina, como proyecto político comunitario contra los efectos del neoliberalismo y la discriminación en cualquiera de sus formas, en consonancia con la autodeterminación, la autonomía y la democracia participativa. Uno de sus principales frentes abiertos es la lucha contra los agentes públicos y privados responsables de la marcha del barrio de la población autóctona (gentrificación). Si bien, ‘El Movimiento’ trabaja fuera del ámbito institucional de los partidos políticos, está adherido a la denominada ‘la Otra Campaña’, nuevo programa político del Ejército Zapatista de Liberación Nacional.

“Fighting Gentrification” es un interesante documental que recoge las formas organizativas, estrategias de luchas y algunas de las protestas del Movement for Justice in El Barrio, en el Esat Harlem, un barrio mayoritariamente conformado por vecinos y vecinas de procedencia hispana.

Más info: movementforjusticeinelbarrio@yahoo.com

“El documental como instrumento en las luchas vecinales”. Curtopía 2010. I Festival Internacional de Curtametraxes de Vigo

La motivación para hacer un documental puede venir de diversas fuentes: puede ser un producto artístico, con intención de conmover, de impactar, de sorprender; puede ser un vehículo de entretenimiento, etc. Todas estas visiones colocan al documental como un fin en sí mismo. Sin embargo, no siempre prevalece esta visión. Otras veces estas creaciones se pueden convertir en medios de difusión de conflictos y problemáticas, herramientas de denuncia y formas de compartir experiencias. El documental como fin o como medio no es una dicotomía de opuestos. No tiene porqué ser un fin o un medio, sino que muchas de las veces, estas dos orientaciones se combinan, prestando atención tanto a cómo se dice como o qué se dice.

Esta jornada, bajo o título de “O documental como instrumento nas loitas veciñais” está orientada, precisamente, a esta segunda visión, la de ver el documental como un instrumento para llevar más lejos las voz de gente que por otros medios sería más difícil conseguirlo. Así, mediante el vídeo, las gentes, los colectivos, van dando forma a una herramienta de difusión a través de la cual puedan promocionar su lucha.

En esta jornada se presentan tres documentales que responden a una serie de características comunes: vídeo con mejor o peor formato, pero orientado a mostrar una realidad conflictiva en el seno de una transformación urbana, en un contexto desigual respecto a los recursos de que disponen unos (vecinos afectados) y otros (agentes inmobiliarios).

Los documentales escogidos representan escenarios de diferentes partes del Estado, tanto del ámbito urbano como del rural. En primer lugar, se mostrará “A Tornallom”, ejemplo de las consecuencias del proceso de reforma urbana de Valencia. Le seguirá el documental “Las ocupas de San Bernardo”, sobre la respuesta de las vecinas de un barrio del centro de Sevilla, ante el abandono que sufren por parte de las administraciones. En tercer lugar, se proyectará el documental “A casa de Lola Andrés”, que trata sobre el efecto del proceso de urbanización de un pequeño pueblo de A Costa da Morte.

La jornada se cerrará con un pequeño espacio para el debate y coloquio en torno a los temas que susciten estos documentales.

La jornada, que tendrá lugar el 17 de noviembre en Vigo, está co-organizada por la Asociación Cultural ‘A barlovento’ y por el Grupo de Estudios Antropológicos ‘La Corrala’, y se incluye dentro del festival de cortometrajes y documentales Curtopía.

Más información en:

http://www.curtopia.es

http://curtopia.wordpress.com

La Lupa. Comunicación Social para el Desarrollo

Una de las propuestas más interesantes de investigación-intervención más interesantes que hemos conocido durante recientemente ha sido el de La Lupa en Centro América, integrada en una asociación mayor, con sede en Cataluña. Nos resultó muy atractiva la experiencia de dos mujeres que, durante poco menos de un año, recorrieron con una cámara de vídeo varios países centroamericanos. La facultad comunicativa del vídeo, una vez más, vuelve a ponerse de manifiesto y nos acerca a otras realidades de forma concreta, pero también global.

ATITLÁN Nuestra fuente de vida from lalupa on Vimeo.

¿Qué es la lupa?
La Lupa es una asociación sin ánimo de lucro que tiene como objetivo aportar en el uso de la comunicación como herramienta de concienciación, participación y transformación social, hacia la creación de unas relaciones solidarias entre las distintas personas y pueblos, más justas y equitativas. Con esta finalidad, La Lupa fomenta el uso de los medios de comunicación y el lenguaje audiovisual como herramientas de sensibilización, reflexión, desarrollo comunitario y participación social.

Finalidades
Fomentar el uso de la comunicación como herramienta de difusión, sensibilización y reflexión para el desarrollo social. Aplicar el audiovisual a procesos de desarrollo comunitario, participación social y mediación, para la transformación social. Fomentar el reconocimiento de los colectivos más invisibilizados y vulnerados, y su participación en la sociedad como sujetos activos y emisores de mensajes comunicativos. Acompañar a las organizaciones sociales, culturales, juveniles y medioambientales en el desarrollo proyectos de comunicación social y participativa, y en la elaboración de campañas y materiales de sensibilización. Promocionar el trabajo en red para potenciar el impacto de las ONGs y la movilización social.

Ejes de acción
Soporte audiovisual
Hacemos acompañamiento audiovisual a instituciones y organizaciones sociales que trabajan en cooperación al desarrollo, derechos humanos, educación social, desarrollo comunitario, género, participación ciudadana, memoria histórica, interculturalidad, infancia y juventud, medioambiente, etc., mediante la realización de documentales, reportajes de vídeo y fotográficos, y la edición de dípticos, carteles, video-dossiers, DVDs interactivos, webs y otros diseños gráficos.

Proyectos
Facilitamos talleres de video y fotografía como herramientas para la participación social, espacio para la acción comunitaria y vehículo para la mediación de las relaciones entre las personas, como constructoras de relatos. Los talleres se dirigen a diversos colectivos y se realizan mediante dinámicas participativas, a través de las cuales las personas proponen la idea, elaboran el guión, registran las imágenes y se implican en el proceso de edición y difusión del audiovisual o reportaje fotográfico.

¿Qué hemos hecho?

. Reportajes audiovisuales y documentales para entidades y colectivos en Bolivia, Marruecos, Colombia, Nicaragua, Costa Rica, Angola y España

. Talleres de fotografía con niñas y niños en Palestina y con mujeres migradas en España.

. Talleres de video participativo con adolescentes, mujeres, campesinos y comunidades indígenas en España, Guatemala y Nicaragua

. Diversas exposiciones y reportajes fotográficos.

Audiovisuales

. En producción: Documental sobre el trabajo Médicos del Mundo en Angola y Namibia, 2010.

. En producción: Documental sobre el trabajo de la Red Cornisa en Marruecos. Marruecos, 2010.

. Anna, l'habitatge i el seu futur, Cataluña, 2009

Documental en el que a propósito de la crisis de vivienda en España, Anna inicia una investigación sobre el tema aportando la historia de sus abuelos y la de ella misma. Una producción para IGLOO, Associació per a la inclusió social, con el apoyo de diversos ayuntamientos y la Diputación de Barcelona.

. Redes, Cataluña, 2009

En el marco del proyecto de cooperación internacional que comparten la Fundació Desenvolupament Comunitari y la Red de Justicia Comunitaria y Tratamiento del Conflicto, este reportaje recoge la última visita a Barcelona, en noviembre del 2009 en la Jornada internacional de intercambio y reflexión sobre Colombia.

. La Flor, un refugio para las tortugas, Nicaragua 2009

Documental sobre una de las pocas playas de arribada masiva de tortugas para el depositar sus huevos, realizado junto con las personas que allí trabajan para su protección.

. Root me back”, Providencia, Colombia, 2008

Documental sobre la música autóctona como elemento de identificación cultural de la isla de Providència, en Colombia. Realizado durante el Festival local de música tradicional.

. “Hablame que te escucho”, Hospitalet de Llobregat, Barcelona, noviembre 2008.

Cortometraje realizado durante el taller de video con niñas y niños del Patio Abierto Eduard Fonseré. Ganador del premio “Jóvenes” en el METROPOL’HIS, III Festival Jóven de Cortometrajes del Hospitalet.

. FARTS (Festival de Arte Social), Santa Coloma de Gramenet, 2007.

Reportaje sobre el Festival de Artes sociales de Santa Coloma de Gramanet, un festival que agrupa diferentes disciplinas alrededor de una temática diferente cada año, fomentando la reinvindicación y movilización social.

. La Violeta. Gracia, Barcelona, 2006.

Documental sobre la lucha vecinal en el barrio de Gracia por la defensa de La Violeta, antiguo casino centro social y lugar de encuentro intergernacional.

. Bolívia, 6 cápsulas, Sucre, 2006.

Reportajes de video sobre los diversos proyectos de cooperación al desarrollo que la Fundación Intercultural Nor-Sud promueve en comunidades indígenas de Bolivia.

Talleres participativos.

. Taller de video comunitario con la población de San Pedro de Atitlán (Guatemala), febrero 2010.

. Taller de video sobre violencia intrafamiliar con hombres campesinos de las comunidades de Miraflor (Nicaragua), enero 2010.

. Taller de edición de vídeo con jóvenes comunicadores del Movimiento de Juventudes de Ciudad Sandino (Nicaragua), diciembre 2009.

. Taller de video sobre VIH/sida con adolescentes de la Asociación Niños del Fortín, León (Nicaragua), noviembre 2009.

. Taller de vídeo con niñas y niños del Pati Obert IES Eduard Fonseré, y la realización del cortometraje “Hablame que té escucho”, Hospitalet, Barcelona, noviembre 2008.

. Taller de video con mujeres inmigradas, Intered Catalunya, noviembre 2008.

. Taller de vídeo con jóvenes del Pati Obert Eduard Fonserrat, Hospitalet, Barecelona. Julio 2008.

. Taller de fotografía con inmigrantes: “Reflejos migratorios”, DES-Identitats, El Torreón, Hospitalet de Llobregat. 2006.

. ICAP, International Children Art Program. Nablus (Palestina), Helsinki (Finlandia), Sant Boi, Centro Cultural Cal Ninyo, (Catalunya); 2006.

. Taller de fotografía con chicas y chicos: “Fotografiando mi campo”. Campo de refugiados de Askar Jedeed. Project Hope. Cisjordania, Palestina. 2005.

. Taller de foto-retrato con chicas. Campo de refugiados de Askar Jedeed. Cisjordania, Palestina. Project Hope, 2005.

Para conocer más nuestro trabajo consultar los proyectos y videos en:

http://www.lalupa.org

http://lalupacentroamerica.blogspot.com

lalupa@lalupa.org

Retazos de cine etnográfico (V): 'Cannibal tours', de Dennis O'rourke, 1988

Watch Cannibal tours (Dennis O'rourke, 1988).avi in Drama 

Cannibal Tours es un documental etnográfico rodado por el director australiano Dennis O'Rourke en 1988. O´Rourke presenta en este film la relación que se produce entre unos turistas occidentales y una tribu de Nueva Guinea en 1977. Construye el film en una mezcla de estilos y con un cierto énfasis en la entrevista a los dos colectivos. Utiliza la contraposición turista—nativo en la construcción y montaje del film; se ve una continua yuxtaposición de esos dos elementos quizás para lograr un efecto remarcado de polaridades opuestas (ellos y nosotros). También se persigue la visión histórica al intercalar en la época actual fotografías del tiempo colonial representando a nativos y colonizadores en sus primeros encuentros; nos muestran imágenes de nativos en blanco y negro con sus escarificaciones y sus vestidos. Pero aquella época histórica ya ha pasado y ahora la película es en color. Así se construye la representación histórica “pasado–presente–futuro” en el momento del montaje del film. El documento gráfico (fotografía antigua) nos muestra el pasado que fue y que no volverá (aquellos caníbales de antaño) mientras que este tour de turistas, no es más que una representación del mito del caníbal a la manera de los parques temáticos posmodernos (Cannibal Park) aunque la vuelta hacia el pasado es imposible, ficticia y a veces peligrosa.

Con la cámara al hombro O´Rourke persigue a “sus actores” por la selva interrogándoles sobre el pasado y sobre el futuro:

- El “turista–viajero del parque temático mundial” pretende descubrir—¿o quizás construir? — la autenticidad de la vida salvaje y primitiva: el caníbal es algo exótico y original.

- Los “nativos–ex primitivos” quieren ganar dinero con los turistas vendiéndoles el fantasma del paraíso perdido, para poder comprar pantalones y camisetas.

Ambos tipos de actores están interpretando sus papeles lo mejor que saben. La seguridad ontológica que les dan sus respectivos roles les dificulta, sin embargo la traumática “salida de la rutina diaria” que requiere la aproximación al otro. Así que permanecen en su papel, que es donde están más cómodos.

Pero la película está construida de manera que incita a la reflexión sobre el ”rol” que el occidental cumple como turista, y el “rol” que el nativo cumple como primitivo. El turista (que regatea por la artesanía en su papel de turista ) trata de capturar con su cámara a los nativos y paisajes más auténticos, exóticos, primitivos. Su mirada esta saturada de toda la literatura y films de viajes y aventuras que son el paradigma en que enmarca su conocimiento del medio natural, salvaje y del hombre primitivo. Si el tour-operador le ofreciera una ceremonia caníbal clandestina iría a ella sin dudarlo. En algún sentido recuerdan a Osa Johnson por las tierras altas de Papua - Nueva Guinea buscando sus auténticos caníbales y cazadores de cabezas salvajes. La reflexión que surge de la visión y el discurso del nativo deriva hacia otros temas: el colonialismo, la aculturación, la globalización, la independencia política y económica (una foto dos dólares).

Además, O´Rourke intercala las fotografías antiguas del tiempo en que los alemanes eran la potencia occidental colonial, con entrevistas en las que el nativo habla de los tiempos antiguos en que se cazaban cabezas, se robaban mujeres y se guerreaba a placer con las otras tribus. Eso era antes de la llegada de los misioneros del gobierno (ahora ya no hacemos nada de eso) También se sugiere en las entrevistas el futuro incierto, la procedencia de los blancos (no sabemos de donde vienen) y del dinero— ¿por qué no podemos regatear en las tiendas cuando compramos y en cambio ellos regatean constantemente?—

O´Rourke ha estructurado las entrevistas de las siguientes maneras:

- El entrevistador queda oculto y en ningún momento se le ve ni se le oye. El sujeto entrevistado esta frente a la cámara (cabeza parlante ) y suelta su discurso sin interrupción ninguna (pseudomonologo) Parece un trozo de película cortado de una toma más larga. Cuando el nativo o el turista hablan en su lengua , el discurso esta traducido en subtítulos al inglés. Hay muchas entrevistas a nativos así que la balanza queda equilibrada en la importancia que se otorga a ambos protagonistas. La jerarquía de control de la entrevista clásica queda así muy diluida aunque a veces no deja de ser el testimonio del informante nativo en una estructura determinada en más de un sentido. El testimonio de los nativos sobre los efectos del colonialismo sobre sus creencias y costumbres es sobrecogedor, no tanto por ser poco conocido sino por ser contado de primera mano por los protagonistas. En momentos me ha recordado a los testimonios de los supervivientes del holocausto judío.

- Las entrevistas a los turistas (como haciendo una contraposición) están estructuradas de otras maneras diferentes. En general la cámara sigue al turista en su “tour” por el poblado y a veces interactúa con él haciéndole preguntas. Otras veces sale como “busto parlante” contando los motivos por los que ha ido al tour. El tema recurrente es el canibalismo. En el mejor de los casos surgen de la entrevista preocupaciones culturales. Este pseudomonologo del turista entrevistado esta acompañado de otras formas de entrevistas; por ejemplo se entrevista a un grupo en la cubierta del barco y participan todos según van surgiendo los temas de conversación ( la vida caníbal opuesta a la vida europea) Otra vez se filma a un turista que a su vez esta filmando el poblado nativo mientras hace comentarios (a la manera expositiva) para registrarlos en su grabación. Esto último es indicativo de la peculiar mirada del realizador.

- El realizador hace preguntas en la entrevista, bien a un turista, bien a un nativo, sobre aspectos concretos. Aquí la autoridad del realizador está más realzada, aunque ciertos detalles nos permiten suponer que todos los tipos de interview se han hecho con un motivo determinado. En un momento muy gracioso, entra en el encuadre una turista “de la tercera edad” sacando fotos del realizador y del entrevistado( en este caso un nativo ) lo que introduce a la reflexión sobre la epistemología de la representación de la realidad.

Todas estas formas de realizar las entrevistas introducen a mi modo de ver también a una reflexión sobre el papel de la entrevista en el documental y al problema de la autoridad de la figura del entrevistador. La impresión que se crea en este film es que O´Rourke no dirige las entrevistas sino que estas son fruto de la casualidad.

En otra toma muy significativa se muestra a los turistas en una fiesta a bordo del barco que les ha traído a la isla, vestidos y pintados como los primitivos, bailando a lo occidental y sacándose fotos. Lo que más se aproxima en su ideario a un primitivo es la figura del boxeador que componen para las cámaras. La construcción del “primitivo” por el occidental es un asunto antropológico de gran calado en el que no entraremos.

La banda sonora del film es un gran logro del montaje. La música de Mozart, las flautas indígenas, los sonidos constantes de los obturadores de las cámaras fotográficas al ser accionados, el motor de las filmadoras, la grabadora de sonido del turista alemán, la radio sintonizando emisoras están así montados en el film, para provocar algún efecto sobre el espectador. Nada es gratuito. Hasta el espectador más inadvertido nota que algo chirría en partes de esta película. No hay una narración que le explique lo que esta ocurriendo con lo que la mayor parte de lo que ve, le obliga a una interpretación. La cámara del realizador se dirige muchas veces cuando filma a los turistas al acto de la toma de fotografías y filmaciones y grabaciones de sonido. Esto, a mi modo de ver, demuestra un interés especial por parte del realizador. Todo este despliegue de tecnología del turista le aleja del sujeto al que quiere conocer. Establece una barrera ( a mi modo de ver ) con la realidad a la que se quiere acceder. Esta barrera tecnológica también lo protege del otro, actúa en ambas direcciones. En una escena, un grupo de turistas se fotografía con unos niños indígenas. Acércate un poco más a los niños, le sugiere uno. No, es suficiente, le responde el sujeto fotografiado rodeado ya de niños. Nos queremos acercar al otro. Si, pero ¿hasta donde? Hay un límite en esa aproximación al otro.

En este sentido se puede pensar que esta situación privilegia la visión del nativo que no tiene que esconderse tras un cámara. Cuando se viste de “primitivo” y ejecuta unos bailes, cobra un dinero y eso es todo.

El rol del turista es algo que a un occidental no le extraña, así que por ese lado puede identificarse bien con el papel. Pero, ¿por que nos dan dinero por las fotos? se pregunta el nativo. ¿Por que dan dinero en la casa de los espíritus y no en el poblado? Parece que el nativo no ha asumido que puede cobrar por actuar como “primitivo” Todavía no ha entrado en la lógica del star-system de Hollywood (una foto dos dólares).

El espectador que oye a la vendedora de tallas de madera nativa quejarse durante un buen rato de que no sabe de donde sacan el dinero los turistas puede hacerse una reflexión sobre el significado de la economía en estos “juegos de rol” de turistas y ex-primitivos. En efecto aquí introduce el autor un asunto espinoso con solo recalcar (más minutos de metraje) las pequeñas transacciones económicas que realizan estos sujetos comprando y vendiendo “souvenirs” Aquí hay una analogía fácil de hacer para el espectador inocente, desprevenido por la subversión que intenta sugerir O´Rourke a su cabeza.

Así que con el pretexto de los caníbales están saliendo en el film multitud de aspectos insospechados, hábilmente sugeridos y montados. La cuestión del colonialismo, la globalización, la desigualdad social, la construcción del otro surgen en cada rincón del film. No es una propuesta vanguardista y apta solo para elites (modalidad reflexiva estilística) sino que esta película es “para todos los públicos” y se convierte en una reflexión etnográfica por la manera en que esta concebida; sin grandes pretensiones se convierte en un clásico.

Extraído de: http://es.wikipedia.org/wiki/Cannibal_Tours

Retazos de cine etnográfico (4): GentriFiction by Naor Elimelech

GentriFiction se interesa por cómo los procesos de destrucción y construcción se relacionan con la memoria, la identidad y el sentido de uno mismo. El documental sigue a Abu-George, un vecino de un barrio Ajami -Jaffa-, mientras recorre las calles de la ciudad. A medida que reelabora en cámara sus recuerdos, va abriendo paso a cuestionamientos sobre los últimos procesos de desarrollo urbano. Se expone así, sutil pero duramente, como siguiendo pistas que nos llevan a un poco obscuro, un proceso de gentrificación étnico guiado por el Estado de Israel, instrumentalizado para expulsar inmobilariamente a los palestinos de la zona. El documental fue producido por Naor Elimelech para Goldsmiths, University of London, y con él tuvo la intención de “reflejar mi determinación como Judío-Israelí de luchar contra el discurso y las prácticas erosivas que impiden el diálogo genuino entre árabes e israelíes”.

Ver el documental

Otros documentos de interés: La teología de la ciudad, por José Comblin, en Bifurcaciones

Mundo Ficción: ácido análisis de nuestra sociedad

La noche del pasado jueves 9 julio de se presentó en la sala Malandar de Sevilla 'Aquello era otra cosa', la tercera entrega de una ácida y cómica saga de cortometrajes de la productora sevillana Mundoficción, que ha revolucionado internet. Fue tal el éxito generado por los dos primeros cortos -'Esto ya no es lo que era' y 'Eso es así'- que en el estreno del tercero se desbordaron todas las previsiones de asistencia.

Esta trilogía sevillana realiza desde la sátira un detallado análisis de las realidades de la sociedad andaluza, sorprendiendo la agudeza con la que presentan las claves del debate sobre ciertos temas sociales como el desempleo, las migraciones, el urbanismo o nuestras costumbres; y siempre desde la óptica de la cotidianidad.

Una buena opción para pasar las tediosas y calurosas tardes de verano. Además hace pensar....

Esto ya no es lo que era (Mundo Ficción, 2008)


Eso es así (Mundo Ficción, 2009)


Aquello era otra cosa (Mundo Ficción, 2009)

Retazos de cine etnográfico (3): Les Mâitres Fous de Jean Rouch: antropología y colonialismo

Les Mâitres Fous (1955. 26 min. Francia. Documental. Color)

Sinopsis: Les Maitres Fous muestra los rituales del culto Hauka, muy extendido por toda África Occidental entre los años veinte y cincuenta. En 1954, cuando un pequeño grupo de practicantes pidió a Jean Rouch que filmara su ritual anual, existían al menos 30.000 practicantes del culto en Accra. En esta ceremonia, celebrada en una granja a pocas horas de la ciudad, los Hauka entran en trance y son poseídos por diferentes espíritus asociados con los poderes coloniales occidentales: el gobernador general, el ingeniero, la mujer del médico, el alcalde malvado, el cabo de guardia, la locomotora de tren...

Sans concession ni dissimulattion

(parte 1/3)


(parte 2/3)


(parte 3/3)


Nota: Es la película más conocida del francés Jean Rouch (1917-2004), quizás recordada por sus violentas imágenes de posesión, donde vemos a hombres y mujeres en medio de profundas convulsiones y el sacrificio de un perro que servirá para la comunión de los creyentes. El documental trata sobre un culto de posesión entre los hauka, una secta religiosa que proliferó entre la población songhay-zarma emigrada a la colonia de La Costa de Oro, actualmente Ghana. Los seguidores de esta secta participan de un ritual de posesión en el que se manifiestas los espíritus de los colonizadores blancos.

La intención de Rouch es la descripción de este culto a partir de sus observaciones de campo, pero realiza el montaje a partir de su interpretación personal, más que intentar la reproducción fiel del acontecimiento. Esta película supone una escapada del cine etnográfico puramente descriptivo hacia una aproximación más sintética. Después de haber observado el ritual en varias ocasiones, decide centrarse en los aspectos que considera cruciales e incorporar una narrativa teatral mediante la técnica del montaje.

En esta obra, Jean Rouch utiliza su propia narración como hilo argumental de las imágenes y, en este sentido, su estilo de representación se acerca mucho al modelo exposicional o interpretativo. El cine sirve para contar historias; historias basadas en un trabajo de campo en profundidad de la religión estudiada y representada en el film mediante las técnicas narrativas propias del medio. La diferencia, aquí, reside en la forma en que lleva a cabo la filmación, más que en la estructura final del producto.

Mediante este montaje, el espectador ve con sus propios ojos la tesis defendida por Rouch: los actores del ritual están poseídos por los espíritus del régimen colonial, los trajes y el comportamiento que exhiben se corresponde con lo que han visto hacer al ejército y a la administración colonial británica. Después de unas imágenes en las que vemos el proceso de posesión en toda su crudeza y cómo, en estado de trance, sacrifican, cocinan y finalmente comen colectiva y ritualmente a un perro -que se considera alimento prohibido en la vida cotidiana-, pasamos a la tercera parte de la película y a la explicación del autor. Vemos a los actores en sus puestos de trabajo, realizando eficazmente sus tareas, serenos y felices. El autor explica que, desde su punto de vista, este ritual les permite enfrentarse a las contradicciones de la colonización y contribuye a conservar su salud mental.

La teoría que sostiene Rouch, elaborada a partir de su trabajo de campo, está inmersa en la estructura de la cinta y se expresa explícitamente a través de su narración en voice over. No es una descripción de los hechos basada en la reconstrucción minuciosa de un ritual, sino una interpretación que utiliza el medio fílmico como instrumento de comunicación. La manipulación de las imágenes y el montaje está al servicio de la comunicación de lo que el autor ha experimentado, ha estudiado y ha entendido. Rouch no se preocupa en mantener la continuidad espacio-temporal o la fidelidad al acontecimiento, sino que busca una forma de expresar cinematográficamente su propia interpretación del ritual y expresarla mediante la cámara. Es fiel a su verdad y esta es la verdad que quiere transmitir al espectador, aunque tenga que provocar a los actores y manipular las imágenes durante el rodaje y en la edición.

El conocimiento antropológico está en la base de sus producciones, lo podemos reconstruir a través de sus imágenes, pero en raras ocasiones aparecerá de forma explícita. El cine muestra la verdad del cine, no la verdad del acontecimiento histórico; el cine es la creación de una nueva realidad. Jean Rouch compara su trabajo cinematográfico con la metodología del antropólogo en la transformación de los datos. De la misma forma en que el antropólogo observa la realidad y de ella extrae unos datos que no son isomorfos con lo observado, sino que son construcciones que el antropólogo utiliza para su trabajo, el cineasta elabora sus imágenes, provoca respuestas, obtiene unos datos con los que construirá su discurso fílmico. Es necesario hacer ficción para hacer etnografía, pero el investigador es la garantía de la autenticidad de los datos que se presentan.

El cine etnográfico como género documental presenta una historia, un relato creado por el etnógrafo a partir de la construcción y análisis de los datos. Cinematográficamente, construye sus películas a partir de la espontaneidad de los actores y del propio realizador, al modo de Vertov. Como Flaherty, recurre a la ficcionalización, a la actuación para la cámara, a la confección de una estructura narrativa. Toda película que pretenda comunicar algo al espectador necesita de un esquema narrativo. Rouch lo único que hace es reconocer esta forma narrativa y experimentar con todas sus posibilidades para ponerla al servicio de lo que entiende por conocimiento antropológico.

Extraído de:
- http://www.antropologiavisual.cl/entrevista_rouch.htm Entrevista realizada a Jean Rouch (en castellano)
- http://www.imdb.com/name/nm0745541/ Filmografia de Jean Rouch. IMDB. (en inglés)
- http://www.der.org/jean-rouch/content/index.php Página sobre Jean Rouch (en inglés)
- http://es.wikipedia.org/wiki/Jean_Rouch Jean Rouch (en castellano)

Retazos de cine etnográfico (2): Nanook of the North. Robert J. Flaherty

Los inicios del género documental: Flaherty

Nanook of the North. 1922. 79 min. EE.UU. y Francia. Documental. Blanco y negro

Sinópsis: El autor convivió, cámara en mano, durante dos años y medio con un cazador y pescador que encarna al personaje de Nanuk (su verdadero nombre era Allakariallak), y con su familia., rodando su modo de vivir, sobrevivir, amar y cazar en la fría tundra canadiense. El documental apenas obtuvo interés inicial en EE.U., y sólo tras su éxito en Europa, gracias a la distribución por parte de la Pathé, alcanzó su reputada notoriedad. Ni siquiera existía el término documental como género cinematográfico en aquellos años, así pues resulta aún más sorprendente que "Nanook of the North".
Nota: Muchos expertos lo rechazaban como tal porque Nanuk el esquimal no presenta una de las características consideradas fundamentales en este género: la neutralidad. No obstante, contemporáneas discusiones en la materia parecen haber llegado al consenso sobre la incoherencia de este argumento. Los discursos epistemológicos sobre el método científico parecen haber concluido que las condiciones de reflexividad y relatividad del proceso investigador anulan toda pretensión posible de neutralidad en el discurso. (Boaventura de Sousa Santos, Pierre Bourdieu, Jesús Ibáñez) Esta aspiración, heredada del positivismo propio de la ciencia moderna, entró en una crisis irreversible desde los descubrimientos de Einstein, Heissenberg o Gödel, y hoy es más un lastre que una base útil para nuestro concepto de conocimiento. La imposibilidad de la neutralidad en el discurso es una condición perfectamente extensible al género documental tanto cinematográfico como fotográfico, y hoy ya no es ningún secreto la inevitable intervención del autor en todo tipo de registro. (Zizek) Si bien es cierto que, en el momento de su aparición, comenzó a considerarse el documental como un género cinematográfico más. Antes de 1922 (fecha en la que Malinowski publicaba Los Argonautas del Pacifico Occidental) lo único que existían eran reportajes que pretendían un reflejo fiel de la realidad, donde predominaban imágenes bellas, paisajes exóticos, pero no tenían éxito de público porque no incorporaban un discurso narrativo al uso. Carente de neutralidad, no es cierto que Nanuk el esquimal sea un documental veraz y respete la realidad, ya que esto es imposible. La principal aoprtación de Flaherty se ubica en el campo de la creatividad (el éxito de Flaherty radica en añadir elementos de ficción que atraigan el interés del público, asumiendo implícitamente su renuncia a la realidad inasible).
[extraído de: http://wapedia.mobi/es/Nanuk_el_esquimal]

Reparto: Nanook, Nyla, Cunayou, Allee, Allegoo
Dirección: Robert Flaherty (1884-1951)
Fotografía: Robert Flaherty
Música: Stanley Silverman

Más sobre el autor:
http://wapedia.mobi/es/Nanuk_el_esquimal
http://en.wikipedia.org/wiki/Nanook_of_the_North

Retazos de cine etnográfico (1): Gadjo Dilo. Tony Gadlif

Trailer:


Inmormantare la tigani:


Gadjo Dilo. 1997. 90 min. Francia. Drama. Color

Sinópsis: Un nombre escrito en un casete es la punta de la madeja que lleva a Stéphane, joven francés, a hallar el amor, una familia nueva y toda una cultura distinta que le acoge. Poco antes de morir, su padre solía oír una cinta de Nora Luca, cantante desconocida a quien Stéphane quiere encontrar. Cruza Rumania, pero a quien conoce es a Isidore, un gitano que le adopta, y a Sabina, de cuya pasión y libertad se enamora.

Reparto: Romain Duris, Rona Hartner, Izidor Serban, Ovidiu Balan, Izidor Serban
Dirección: Tony Gatlif
Fotografía: Eric Guichard
Guión: Tony Gatlif
Música: Tony Gadlif

Más sobre el autor:http://es.wikipedia.org/wiki/Tony_Gatlif